José Saramago Chair | Cátedra José Saramago

A Biblioteca do Avô e O Canteiro dos Livros são narrativas, dirigidas antes de
mais a um público infantil e juvenil, que, como os títulos desde logo sugerem,
têm como tema o gosto pelo livro e pela leitura. A Maior Flor do Mundo também
trata a questão do livro, das “histórias para crianças”(s/p), mas o que se destaca
no título é o “motivo” da narrativa: a flor, “caída” e “murcha”, que o “herói menino”
encontrou no cimo de uma “inóspita colina redonda”, e, de imediato, por ser menino “especial de história”, quis salvar.
Nestas três obras joga-se o jogo dos livros, da Literatura. Eduardo Prado Coelho
chamou muitas vezes a esta instauração de um real no real, estabelecida no
espaço do discurso, do pensamento e do sensorial, o jogo do infinito (Coelho,
2004: 7). Este real do imaginário produz-se, de acordo com a tese defendida
nestes textos, a partir do contacto dinâmico entre o sujeito que lê e o objecto-livro.
A Maior Flor do Mundo abre com um metatexto que é uma declaração de princípio
do narrador sobre as coordenadas essenciais da escrita para a infância: “As
histórias para crianças devem ser escritas com palavras muito simples, porque
as crianças, sendo pequenas, sabem poucas palavras e não gostam de usá-las
complicadas”. Mas o narrador não se limita a notar a especificidade dos textos
produzidos para os mais novos; apresenta-se também como autor real. São, aliás,
conhecidas estas palavras do autor de O Memorial do Convento: “a figura do
narrador não existe”; “só o autor exerce função narrativa real na obra de ficção,
qualquer que ela seja, romance, conto ou teatro” (Saramago, 1997: 38). [...]

The poems “À Inglaterra” (“To England”) and “Marcha do Ódio” (“The March of Hate”) stand out among Guerra Junqueiro’s works (1850-1923) as key compositions, which were also catalysts of the reactions to the British Ultimatum of 1890. In this article the author demonstrates the communicative and argumentative capacities of these poems, and contributes to a new appreciation of Junqueiro’s satire, and even
of satire in general. The article deepens our understanding of a poet who was one of the greatest figures of Portugal in the last quarter of the nineteenth century and of the first two decades of the twentieth century.

Muito do valor mais substancial da crítica portuguesa de todos os tempos sobre o riso e a sátira reside em textos de Eça de Queirós e de Ramalho Ortigão (que, como é bem sabido, também escrevem textos satíricos em prosa ficcional e jornalística). No seu todo, esses escritos funcionam como uma poética mais didática do que normativa e como um tratado de sociologia da sátira portuguesa, acessível a um grande público. Segundo Eça e Ramalho Ortigão, a sátira deve orientar-se pelos melhores modelos universais, de Rabelais a Boileau. Ao procurarem e ao divulgarem as leis ou as invariantes de uma sátira eticamente formada, ao detetarem os exageros e os perigos em que incorrem os satíricos, estes autores referem-se com grande clareza e profundidade à elevação e à sublimação mas também à maldição da sátira.

Propomos neste artigo uma leitura de pelejas de cordel nas quais se opõem homens: cantador branco contra cantador branco; cantador branco contra cantador negro; e cantador negro contra cantador negro. Na impossibilidade de assumirmos o critério temático, uma vez que quase sempre existem inúmeros temas e assuntos dentro da mesma peleja, as especificidades de género, raça e classe social dos protagonistas permitem-nos chegar a um campo de estudo. Para identificarmos e compreendermos o teor e a estilização dos conflitos pessoais e sociais que se expressam nestes confrontos poéticos, comentaremos alguns dos folhetos que selecionámos. Privilegiamos obras de épocas e configurações estilísticas diferentes, porque a peleja é o reflexo da formação e da evolução civilizacional do Brasil; reflexo mas também condição dessa formação e dessa evolução, lugar de discussão de problemas morais, sociais e políticos de todo o tipo, espaço de perpetuação e transformação de ideias e ideais sobre o ser humano e a nação brasileira (os agentes do poder familiar e político, o lugar da cor da pele e do género na organização e distribuição desse poder).

No Romantismo português, a sátira social e a teoria da sátira não existem apenas no panfleto, na crónica ou no romance, género que se impõe de modo muito rápido no século xIx; existem também, e de maneira por vezes memorável e inovadora, na poesia de autores como Almeida Garrett, Faustino xavier de Novais, Camilo Castelo
Branco, José da Silva Mendes Leal e Guilherme Braga.
Na centúria oitocentista, a sátira encontra uma conjuntura – Liberalismo, liberdade de expressão e compromisso intelectual – que propicia o desenvolvimento das suas funções primordiais: a denúncia de erros e vícios pessoais e coletivos. De uma interpretação errada desta sua vocação tem resultado um dos mais graves prejuízos para o seu estudo: a sátira é vista apenas como um documento histórico
que espelha a realidade social, sem que se considere, muitas vezes, a ideologia própria e esteticamente (de)formadora do satírico, e, por consequência, sem que se vislumbre o mais remoto sinal do que na sátira é conflito do sujeito consigo mesmo e complexidade de significados humanos e poéticos.

A relação da escrita de José Saramago (1922-2010) com os leitores mais jovens começou em 2001, com a publicação da narrativa, ilustrada por João Caetano, A Maior Flor do Mundo. Este foi o primeiro e o único texto que o escritor português dirigiu explicitamente ao público infantil, mas não é a única obra de Saramago que, no formato de álbum ilustrado, podemos ser induzidos a associar ao universo da literatura para a infância. Vejamos: em janeiro de 2011, sete meses após a morte de José Saramago, sai, com ilustrações de Manuel Estrada, El Silencio del Agua, que retoma um fragmento do livro As Pequenas Memórias (2006. A publicação em língua espanhola é de 2007), como se lê na ficha técnica. Em 2015, surge uma edição ilustrada d’O Conto da Ilha Desconhecida (ilustrações de Fatinha Ramos, Porto: Porto Editora), publicado pela primeira vez em 1997 (desenhos de Pedro Cabrita Reis, Lisboa: Pavilhão de Portugal Expo’98 / Assírio & Alvim). Este texto não foi escrito necessária e especificamente para o público infantil e, mais propriamente, juvenil, mas a sua inclusão na lista de livros recomendados para os alunos do 8.º ano de escolaridade faz com que se tenda a vê-lo enquanto obra originalmente destinada aos leitores infantis e juvenis. Para essa ideia generalizada muito contribuem quer o título do livro, cuja configuração (o termo “conto” associado ao sintagma “Ilha Desconhecida”) lembra os livros de aventuras tão ao gosto do público mais jovem, quer, desde 2015, a informação, destacada na capa em forma de uma espécie de selo, “Leitura recomendada. 8.º ano”. Em setembro de 2016, quinze anos depois da publicação de A Maior Flor do Mundo e seis após o falecimento do autor, é publicado um novo álbum ilustrado que mais uma vez o público poderá ser imediatamente induzido a associar à literatura infantil: O Lagarto, com ilustrações (xilogravuras) de J. Borges, um artista (xilógrafo) e cordelista brasileiro. Trata-se agora da republicação de um texto (uma crónica ou um conto) incluído no livro A Bagagem do Viajante (1973), que reúne crónicas saídas no vespertino A Capital (1969) e no Jornal do Fundão (1971-1972).
No álbum O Lagarto não há qualquer referência à origem do texto, que foi publicado pela primeira vez como crónica num jornal e como tal republicado no livro A Bagagem do Viajante, que tem como subtítulo precisamente o termo Crónicas (Lisboa, Editorial Caminho, 1973). Mas é como conto, ou, mais livremente, como história, que o leitor, jovem ou adulto, lerá O Lagarto, em cuja contracapa, em grandes carateres vermelhos, encontramos esta advertência: “De hoje não passa. Ando há muito tempo para contar uma história de fadas, mas isto de fadas foi chão que deu uvas, já ninguém acredita, e por mais que venha jurar e trejurar, o mais certo é rirem-se de mim. Afinal de contas, será a minha simples palavra contra a troça de um milhão de habitantes. Pois vá o barco à água, que o remo logo se arranjará”. Este é o primeiro parágrafo de um texto que, publicado num jornal enquanto crónica e republicado também enquanto tal num livro de crónicas, terá certamente levado muitos dos primeiros leitores a questionarem o estatuto genológico de uma narrativa que parece ser muito mais um conto (ou uma “história de fadas”, como o narrador afirma logo na primeira frase) do que uma crónica. Terá sido a configuração de conto que determinou, antes de mais, a escolha deste texto para inclusão num álbum ilustrado, mas a sua vertente cronística de representação de um espaço e um tempo presentes (Lisboa, o Chiado) não terá estado ausente dos critérios do responsável por este livro. Na ficha técnica, aparece o nome de Alejandro García Schnetzer como detentor dos direitos “da obra original”, e é assim porque foi sua a ideia de combinar a crónica de José Saramago à arte pictórica do brasileiro J. Borges (Schnetzer, 2016: 71-78). [...]

A riqueza e a diversidade dos textos poéticos infantis (entendidos aqui como aqueles que são produzidos, transmitidos e atualizados pelas crianças ) exigem abordagens rigorosas e atentas (de natureza cultural, literária, psicossociológica, psicanalítica, linguística, musical, etc.), com vista ao conhecimento das suas múltiplas zonas obscuras. Grande parte dos estudos existentes trata exclusivamente rimas que, cristalizadas em coletâneas, na sua maioria já desapareceram da prática quotidiana das crianças.

This study deals with the cordel literature written by Manoel Monteiro, which has been published repeatedly since 1952 and with increasing regularity during the past six years. Manoel Monteiro seeks to contribute to the aesthetic and sociocultural education of sections of the Brazilian population that are less fortunate, both financially and culturally. Therefore, his poetry, consistently conscious of its status as an art and as a technique, is in large part a poetry of protest, of ideals, and of faith in human potential.

In this article, through an analysis of forms and contents of several Brazilian pelejas, selected from many hundreds of cordel leaflets, we try to show how they present men and women and place them in a conflict often ending in a fight or quarrel; and we try to understand the place of this textual genre in the (re)construction of Brazilian society (and its role elsewhere as well).

Neste artigo, através de uma análise das formas e dos conteúdos de várias pelejas brasileiras, selecionadas de entre muitas centenas de folhetos de cordel, procuramos mostrar de que modo aí se apresentam e confrontam homens e mulheres; e procuramos, ainda, compreender o lugar deste género textual na (re)construção da sociedade brasileira (e não só).

Neste estudo, refletimos sobre os critérios de recolha e de classificação dos textos do cancioneiro popular e tradicional que reunimos no concelho de Baião (distrito do Porto, Portugal). A nossa experiência de campo tem-nos mostrado que não há boas recolhas nem boas classificações sem uma ética e uma metodologia apropriadas.

In this study, we reflect on the criteria for collection and classification of the texts of popular songs and traditional meet in the county of Baião (district of Porto, Portugal). Our field experience has shown us that there are neither good recollections nor good classifications without an ethical and an appropriate methodology.

Peter Pan cumpriu já mais de cem anos, mas permanece tão jovem como quando nasceu. O que é que explica esta vida centenária e o poder que Peter Pan exerce sobre quem lê o romance ou sobre quem vê as peças de teatro, os filmes, os de-­-senhos animados ou as ilustrações que ele tem suscitado? Neste texto procurarei apresentar algumas respostas, necessariamente provisórias, que, como veremos, suscitam novas questões de natureza histórica, cultural, estética, literária, psico-­-lógica, ou psicanalítica. Há uma bibliografia abundante sobre Peter Pan, regra ge-­-ral em língua inglesa, e praticamente nenhuma (ou, pelo menos, minimamente relevante) em língua portuguesa. Sobretudo nos Estados Unidos, não faltam teses e artigos com orientações diversas, das ciências sociais e humanas às ciências da vida. Este texto não pretende ser mais do que uma introdução ao livro e à perso-­-nagem que continua (e continuará) a seduzir leitores, ouvintes e espetadores de todas as idades e de todo o mundo.

Em 2013, numa entrevista concedida ao JL – Jornal de Letras, Artes e Ideias, referindo-se ao romance que acabava de publicar, J. Rentes de Carvalho (1930) afirmava: “Creio, aliás, que não voltarei tão cedo ao género, pois é difícil manter a sequência e evitar que os personagens não baralhem o enredo”. O novo romance de J. Rentes de Carvalho não vem necessariamente contradizer aquelas palavras, uma vez que passaram já três anos desde a saída de Mentiras & Diamantes. Mas não nos parece arriscado dizer que a maioria dos leitores do autor de Ernestina terá recebido com grande surpresa a notícia da publicação de O Meças, o oitavo romance de um escritor que também tem sobressaído na crónica, no conto e no diário.

No mundo ocidental, são muitas as vozes que nos vão lembrando, de tempos a tempos, que já não sabemos encarar a morte com frontalidade e dignidade. Assumiu-se que falar da morte é produzir uma dor ou um mal-estar que colidem com os valores da nossa sociedade, cada vez mais voltada para o culto da beleza e da eterna juventude. Até sensivelmente às décadas de 70 ou 80 do século passado, a sociedade portuguesa, sobretudo a mais rural, não escondia dos mais novos as doenças, o envelhecimento e a morte dos entes queridos, e o cancioneiro infantil e juvenil era uma das grandes expressões e uma das fontes de todos estes temas. Hoje, estas são questões praticamente silenciadas, dir-se-ia até proibidas, e por isso muitas crianças são educadas sem o conhecimento da morte. Partindo destes pressupostos, abordaremos neste artigo a questão da morte na poesia oral e tradicional infantil portuguesa moderna e contemporânea. Veremos, em particular, se a morte aparece mais como personagem ou mais como acontecimento, refletiremos sobre os seus tipos e as suas incidências semânticas, simbólicas e pragmáticas, e discutiremos se vale a pena trazer estes textos para o contexto educativo.

Se, iludidos por uma história literária geral, valorizarmos na sátira do Classicismo português apenas o que nela é responsabilidade ética e humanista, esquecendo o que nela é ou pode ser arbítrio individual voltado para a destruição de um objeto, mais estranharemos os momentos em que, como na sátira medieval, o fator de constituição parece ser o da pessoalização impiedosa e imoral da crítica a pessoas, instituições ou entidades. A estética da moderação acaba por promover uma linguagem subtilmente saturada e corporal que parece perseguir mais a anulação do outro do que uma função social corretiva. No Maneirismo encontramos os exemplos esteticamente mais elaborados de uma sátira que interpela o Destino ou Deus em relação aos males que recaem sobre um eu impotente mas insubmisso perante questões de moral metafísica tão sensíveis; uma sátira cujo estilo clássico lhe dá uma dignidade estética e de modelo textual sem dúvida de exceção. Veremos, neste artigo, os diversos caminhos das sátiras clássica e maneirista, recorrendo às obras de poetas como Sá de Miranda, António Ferreira, Pêro de Andrade Caminha, André Falcão de Resende e Fernão Rodrigues Lobo Soropita.

Papeladas é o termo usado para designar o teatro popular que, em Valongo (distrito do Porto, Portugal), com raízes em finais do século XIX e inícios do século XX, ainda hoje persiste quer na memória dos valonguenses mais dedicados às tradições culturais do seu concelho, quer na prática cultural da comunidade (através de uma Associação local). Este património em movimento, familiar mas, simultaneamente, comunitário, nasceu do impulso migrante de um poeta popular – um Fozcôa –, que trouxe na sua bagagem textos e papéis (in)significantes. Produção semental que haveria de conquistar Valongo e os forasteiros que a esta vila acorriam para assistir às “papeladas”, como haveria de fecundar em profundidade a sua multímoda expressão artística. (...)

(1.ª ed., 2003)

Em 1897, o erudito portuense Francisco Marques de Sousa Viterbo, num opúsculo de seis páginas, afirma: “O Pedro Sem constitui uma lenda que, sendo das que actualmente estão mais em voga em Portugal, é todavia das que se acham menos estudadas debaixo do ponto de vista tradicional e folclórico” . A esta asserção, que, passados cento e onze anos, se mantém verdadeira em praticamente toda a sua amplitude, apesar do que nos diz Sousa Viterbo, acrescentamos apenas que também a crítica literária não dedicou ainda – que saibamos – qualquer atenção à lenda de Pedro Sem. O propósito deste ensaio não é, portanto, o de fixar a origem da lenda, a época do seu aparecimento e difusão ou os elementos históricos e sociais que eventualmente a estruturam, mas o de propor uma leitura das formas e dos sentidos que justificam a sua permanência na memória cultural e literária de inúmeras gerações de portugueses (de, pelo menos, meados do século XIX até aos nossos dias) e a sua adaptabilidade a diversos registos e géneros (oralidade, poesia romântica, literatura de cordel portuguesa e brasileira, literatura para a infância e a juventude). Na metodologia de análise cruzaremos por isso diversas linhas: de relacionação arquitextual, procurando compreender o diálogo que cada texto estabelece com um modelo teórico de discurso ou género, e principalmente intertextual, examinando as relações, implícitas ou explícitas, que cada versão institui com um paradigma hipotextual ou com vários paradigmas, uma vez que um determinado hipertexto pode dialogar com vários hipotextos (um oral e outro escrito, por exemplo). Na abordagem, cronológica ou temática e estrutural, dos contactos estabelecidos a este nível entre um texto e outro(s) texto(s), consideraremos mecanismos da intertextualidade como a negação, a expansão, a supressão e a repetição. Em última instância, para além de um trabalho de semiótica textual do cordel, talvez possamos encarar ainda este estudo como um contributo para a sociologia da literatura de cordel e a história das mentalidades.

O comportamento político dos portugueses não depende apenas de atores que se destacam da massa populacional anónima pelas ideologias e pelos actos propostos ou impostos, nem se reflete somente em decretos, leis, manifestos ou artigos de opinião. O grafito verbal português, seja na específica tessitura estrutural e semântica, enquanto texto estético-literário em si mesmo, seja na projeção no universo sociopolítico com o qual interage, dele se alimentando e devolvendo-lhe imagens jocosas, irónicas e satíricas, consubstanciou sentimentos, emoções, pensamentos, aspirações e expetativas daqueles que se opuseram ao regime ditatorial salazarista, ativo quarenta e oito melancólicos e intermináveis anos (1926-1974). Simultaneamente, na síntese-força constituída por cada uma das formas breves (slogans, ditos e poemas de um verso a cerca de quatro ou cinco versos ou poemas em prosa) em que o sistema comunicacional destes objectos semióticos se actualiza, eterniza-se, nos corpora reunidos em letra impressa ou manuscrita, uma experiência estético-pragmática que é profecia, memória e palavra estética em militância revolucionária.

In this article we offer a theory for the Portuguese “cantigas ao desafio” (“contest songs”, poetic dueling). We shall approach them on the individual level, insofar as they are a personal creative act, and on a community level, envisaging them as a sociocultural phenomenon. Its necessary and interdisciplinary and multifaced approach arises from a poetico-musical specificity that doesn't become exhausted in musical and techno-literary components alone. It is a playful and creative game with a lot of anthropological and sociological ingredients, it is poetry in action. The contest becomes a dialogical macro-poem made out of two individual oral poems, intermingled in an alternance of forces, of variable tensions and distensions. The textual dimension is the more visible materiality of an organic process obeying to laws of improvisation in which linguistical-literary elements take part (ars poetica, grammar, rethoric, stylistics, themes, etc.). But it also obeys to extratextual factors with which the contesters interact very closely (the audience and the technological apparatus involved in some performances for mediatic purposes).

Propõe-se neste livro uma teoria da cantiga ao desafio portuguesa, tanto no plano individual, enquanto acto criativo pessoal, como no plano comunitário, equacionando o fenómeno como processo sociocultural. Exercício lúdico-inventivo com muito de antropológico e sociológico, poesia em acção que não se esgota em componentes técnico-literárias e musicais, o desafio concretiza-se como macropoema dialógico constituído por dois poemas orais individuais que se cruzam numa alternância de forças, tensões e distensões variáveis. A dimensão textual é a materialidade mais visível de uma orgânica que obedece a leis de improvisação em que participam elementos linguístico-literários (arte poética, gramática, retórica, estilística, temas e remas), mas também fatores extratextuais com os quais os contendores interagem de forma muito estreita (a audiência e o aparato tecnológico que envolve algumas atuações, com vista à sua mediatização).